Sexo, cyborgs y cintas de vídeo: una introducción al japonés V

A medida que la economía de Japón florecía a finales de los años 80, su industria cinematográfica se enfrentaba a una crisis. Las ventas de taquilla se desplomaron hacia un mínimo histórico de 122,9 millones en 1996, y el importante estudio Nikkatsu se declaró en bancarrota en 1993. A medida que los dispositivos de video domésticos se volvieron cada vez más asequibles, los alquileres de videos en todo el país de unas 16,000 tiendas totalizarían 840 millones en 1989. La solución Era obvio: en lugar de invertir megadólares en producciones para la pantalla grande, los grandes estudios se centrarían en películas directas a video baratas y llamativas para posar en los estantes de las tiendas de alquiler. En 1989, con el lanzamiento de Crime Hunter de Toei, se confirmó un nuevo y revolucionario campo de producción y distribución: el llamado 'V-Cinema'.

Transformaría la industria en la década siguiente. Los consumidores masculinos se entusiasmaron con las promesas de grandes armas y (a menudo) senos aún más grandes anunciados en las portadas de los videos, ya que las películas B de bajo presupuesto se producían en masa. Un año después del lanzamiento de su sello V-Cinema, Toei obtenía el 22 por ciento de sus ingresos anuales de los lanzamientos de videos. En el proceso, todo tipo de jóvenes actores y cineastas talentosos de repente se encontraron con una nueva plataforma para mostrar sus talentos. Algunos de los nombres más importantes del cine japonés actual, desde el ganador del León de Plata de Venecia, Kiyoshi Kurosawa, hasta el ganador del premio al Mejor Actor en Cannes 2023, Koji Yakusho (Cure), se afilaron trabajando en producciones directas a video (DTV) en los años 90.

La explosión de videos en Japón alcanzaría un punto álgido en 2003 cuando el estreno de V-Cinema de Takashi Miike, Gozu, terminó en el Festival de Cine de Cannes, rechazando la percepción occidental de DTV como indigna de calidad o atención. Ahora, en mayo de 2023, el experto en la industria Tom Mes acaba de publicar un recurso académico único en su tipo sobre el fenómeno a través de Routledge, titulado El cine japonés y el desafío del video. Para conmemorar la ocasión, Dazed repasa algunos aspectos llamativos y coloridos de un movimiento cinematográfico con un legado poco probable.

Dos policías de gatillo fácil, Joe y Ahiru, allanan un apartamento para arrestar a un parecido a Rambo, pero su escape se ve frustrado cuando una banda de matones con máscaras de payaso dispara contra su automóvil. Mientras el cautivo escapa, Ahiru (el icono de V-Cinema Riki Takeuchi, Dead or Alive) recibe un tiro en la cabeza. Joe (Masanori Sera) luego se despierta en el hospital con un apetito insaciable de venganza.

La primera producción de Toei V-Cinema, presentada en una relación de aspecto cuadrada de 4:3 para adaptarse mejor a las pantallas de televisión de la vieja escuela, no pierde tiempo en el desarrollo de los personajes ni en la trama o los diálogos. En cambio, Crime Hunter enfoca su delirante tiempo de ejecución de 58 minutos en primeros planos de enormes armas mientras los tiroteos estallan cada cinco minutos, dejando suficiente espacio para una escena de sexo, una referencia a El padrino y tomas de una monja. un guacamayo y un frasco de dedos amputados.

El gambito fue un éxito instantáneo para Toei, que recuperó su inversión de $500,000 en el mercado de alquiler. V-Cinema explotó a partir de entonces, y los estudios rivales establecieron sus propios sellos de video-cine para producir tantas películas baratas y excitantes de crimen, acción y sexo como pudieran.

Las películas de terror japonesas de bajo presupuesto encontraron una nueva audiencia a través de la distribución directa a video a mediados de los años 80, justo cuando los "video desagradables" estaban causando una protesta moral en Occidente. Y aunque los aspectos más destacados como la película de 35 minutos inspirada en el giallo Biotherapy (1986) y la criatura de horror corporal Demon Within (1985) en realidad son anteriores a la revolución V-Cinema liderada por los estudios, el modelo de producción y distribución proporcionaría una base para la explosión de DTV. después de eso.

Las obras más infames de este período fueron las del canon Guinea Pig, una serie de seis mini-películas pornográficas de tortura sórdida que presentaban efectos físicos y escenas sangrientas. La serie ganaría notoriedad después de un rumor muy difundido que sugería que el excéntrico actor estadounidense Charlie Sheen (Pelotón; Two and a Half Men) había informado al FBI sobre la segunda entrada de 42 minutos, Flower of Flesh and Blood, a principios de los 90. creyendo que había visto una auténtica película snuff.

Después de que se descubrió que varias cintas de video de la serie estaban en posesión del asesino en serie Tsutomu Miyazaki, quien asesinó a cuatro niñas en Tokio en 1989, las películas de terror japonesas comenzaron a minimizar la violencia explícita en los años 90 a favor de la inquietante y atmosférica 'J- estilo horror' que se convirtió en un fenómeno mundial a partir de entonces. Por cierto, el director de Ring, Hideo Nakata, fue otro director que surgió de la realización de películas de DTV, mientras que las dos primeras películas del canon The Grudge fueron producciones de Toei V-Cinema.

A medida que las pandillas de motociclistas bōsōzoku y los corredores callejeros de Mid Night Club se hicieron famosos a finales de los 80, la cultura del automóvil en Japón alcanzó su cénit. Tan problemáticas eran estas subculturas que se prohibió el estreno en cines de la película original Megalopolis Expressway Trial (1988); cinco entradas de franquicia posteriores, comenzando con Megalopolis Expressway Trial 2 (también conocido como Freeway Speedway 2), luego siguieron en la línea V-Cinema de Toei.

Hay poca trama de la que hablar: un entusiasta de los autos muere en una carrera callejera ilegal, por lo que su compañero se acerca a la carrera por venganza. Pero la película, que comienza con un fetichismo del chasis plateado en primer plano y continúa con montajes gratuitos de neumáticos quemados en circuitos de carreras y autopistas, es lo suficientemente brillante gracias a su enérgico trabajo de cámara montado en un vehículo.

Todo es solo un gran anuncio, por supuesto: para los automóviles Nissan, los relojes Seiko, los estéreos Bose y las canciones de rock de Saori Saitō (interpretadas en su totalidad en múltiples ocasiones durante la película). Pero hay un legado interesante en todo esto: el piloto de carreras profesional Keiichi Tsuchiya, también conocido como el 'Drift King', que aparece en toda la franquicia, se desempeñaría como especialista y coordinador en The Fast and the Furious: Tokyo Drift años después.

En el distópico Neo Tokyo, un cartel brutal gobierna por la fuerza. Seis meses después de que una violenta represión deja al campeón de tenis Kaoru mortalmente herido, un misterioso vigilante con traje de metal "más poderoso que cien policías armados" llega a la escena prometiendo eliminar todas las amenazas.

Es una estafa absolutamente desvergonzada de Robocop de Paul Verhoeven, llena de actuación OTT, bazucas láser y riffs de guitarra de heavy metal, pero Lady Battle Cop es explosivamente divertida, no obstante. Y con gran parte de la trama delineada a través de un diálogo expositivo torpe, hay mucho espacio para tiroteos cibernéticos a manos de malos neuróticos, que incluyen un robot culturista telequinético que es "literalmente un arma letal".

La secuela que se muestra en los créditos finales nunca se hizo. Pero afortunadamente, el cineasta de culto Takashi Miike entregó su propio riff de V-Cinema en Robocop unos años más tarde, con Full Metal Yakuza mostrando travesuras más violentas a manos de un gángster a prueba de balas.

Miike era efectivamente el chico del cartel de toda la mitología del V-Cinema: el director de Audition había emergido como un director directo a video a principios de los 90, prosperando mientras producía hasta seis películas por año. En la segunda mitad de la década, trabajos como Fudoh: The New Generation y Shinjuku Triad Society lo elevarían al ámbito de los estrenos cinematográficos y la distribución en festivales de cine, pero su propensión al humor surrealista, los personajes extravagantes y la violencia ecléctica ya estaba firmemente establecida por entonces.

Osaka Tough Guys fue quizás la mejor indicación de lo que vendría del provocador cineasta. La película comienza con un par de delincuentes adolescentes borrachos que vomitan en la cara de sus adversarios que empuñan una navaja en un callejón iluminado con luces de neón en Osaka (una escena extrañamente interrumpida por un travesti que persigue a un corpulento gángster). Después de ser expulsado de la escuela y acumular una deuda de 1 millón de yenes en un bar de anfitrionas, Eiji y Makoto se unen accidentalmente a la yakuza, metiéndose en más problemas mientras se cruzan continuamente con una mujer hermosa.

El hecho de que el 70 por ciento de los propietarios de tiendas de alquiler de videos en Japón fueran hombres en 1993 explica de alguna manera el sexismo desenfrenado que caracteriza gran parte de estas producciones. Pero si bien no es ni remotamente políticamente correcto, esta extraña comedia de amigos todavía está llena de risas antiguas. Vea la incorporación de los niños a una pandilla prestigiosa en un restaurante familiar invadido por niños que gritan, con un brindis de batidos de plátano, como evidencia.

Si Lady Battle Cop era el Robocop de V-Cinema, entonces Mikadroid es su Terminator. Es la historia de una imparable máquina de matar sobrehumana (un experimento de laboratorio abortado de la Segunda Guerra Mundial) que se despierta décadas después de su creación para causar estragos en el estacionamiento de un club nocturno japonés. Se produce mucha destrucción.

La primera producción directa a VHS de la efímera etiqueta 'Toho Cinepack' de Toho Studio (Godzilla) se ve reforzada por una serie de opciones de producción interesantes. Los juegos de chatarrería ofrecen un vívido sabor cyberpunk que recuerda a películas como Crazy Thunder Road y Tetsuo: Iron Man, mientras que algunos asesinatos con espadas sombríos ofrecen un riff inesperadamente artístico en su juerga de asesinatos robóticos promedio. Lo mejor de todo es la secuencia de apertura vanguardista, que combina fotogramas congelados y fotografías fijas con secuencias de video monocromáticas de la creación del androide.

La última secuencia puede haber sido influenciada por el supervisor Akio Jissoji, el cineasta japonés New Wave que ganó el Leopardo de Oro en el Festival de Cine de Locarno en 1970 por This Transient Life. No es el único miembro notable del equipo: el compositor de Ghost in the Shell and Ring, Kenji Kawai, proporciona una partitura repleta de sintetizadores, mientras que los directores Kaizo Hayashi (The Most Terrible Time in My Life), Macoto Tezka (The Legend of the Stardust Brothers) y Kiyoshi Kurosawa (Cure) todos los cameos.

Uno de los cineastas más prestigiosos de su generación, ganador de un León de Plata de Venecia en 2020 (por Esposa de un espía) y un Premio del Jurado de Cannes en 2008 (Sonata de Tokio), Kurosawa también es responsable de dos obras maestras psicológicas de la nueva ola Y2K de Japón. : Pulse (2001) y Cure (1997). El director de Parasite, Bong Joon-ho, es tan fanático de este último que incluso votó por él en la encuesta de Sight & Sound de una vez por década de las mejores películas de todos los tiempos, tanto en 2012 como en 2022. Pero en el momento en que Cure era Al ingresar a la producción, Kurosawa todavía estaba haciendo películas directas a video, a menudo filmando franquicias enteras una tras otra.

Este fue el caso de la serie de comedia criminal de seis partes Suit Yourself or Shoot Yourself, filmada de dos en dos a mediados de los 90. La primera entrada sigue a dos maleantes torpes que se involucran en un negocio de extorsión y terminan robando accidentalmente 50 millones de yenes en metanfetamina. Es muy divertido, muestra la experiencia técnica de Kurosawa, así como una serie de talentos de actuación de Japón de los 90, incluido el ícono del V-Cinema Shō Aikawa (Dead or Alive), Jun Kunimura (Kill Bill) y Ren Osugi (de Hana, ganador del León de Oro de Venecia en 1997). -bi).

En abril, el director anunció que su próxima producción será una revisión de uno de sus otros aspectos destacados de V-Cinema: la nueva versión del drama de 1998 con rehenes en un almacén, Serpent's Path, acaba de terminar de rodarse en París.

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